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Incontro-scontro tra Natura e Arte nel Giardino di Pianamola

agi — Fri, 12 Jun 2026 19:31:14 GMT

AGI - Nascosto nel verde. Rapito dalla natura. Cielo, alberi, fiori, vegetazione che cresce spontanea, e una distesa di cistus, i fiori tipici delle dune tirreniche, che altrove non esistono. È il Giardino di Pianamola, nel comune di Bassano Romano, creato nel 1994 da Elisa Resegotti, che qui ha scelto di vivere, dopo aver conosciuto, da produttrice cinematografica, i fasti festivalieri della Settima Arte. La casa è incastrata tra rami, cespugli, arbusti. Lo sfondo è il lago di Bracciano, incorniciato da tre cipressi, e nelle giornate nitide il mare di Cerveteri, le spiagge nei secoli conosciute dagli etruschi. Ed “etruschi” sono i tre gradini di tufo a secco disposti a semicerchio, ad abbracciare – citando il teatro antico - una quercia secolare, maestosa e protettiva, come un Genius loci. A dire della sacralità della radura, sotto l’albero una pietra nera, vulcanica, piovuta chissà da dove e chissà quando.

Resegotti cura il giardino, ne ascolta il respiro, affiancata da Hans-Hermann Koopmann, artista biologo tedesco. E il contatto quotidiano, cosmico con il luogo ha sviluppato, oltre alle competenze botaniche, il suo Io artistico. Sempre ispirato dalle realtà del territorio. Così anche una palizzata a monte della tenuta – che digrada a terrazzamenti, con viottoli sinuosi – è diventata “Paliss-ART”, interpretazione artistica realizzata con il materiale che esce dalla terra.

La mostra One Minute Tree Revisited 2026

E però Elisa sta nel mondo. E non intende che il suo habitat sia un Eden separato dalla Storia. È il senso della mostra che ha curato per Pianamola, succedutasi all’exploit della fioritura dei cistus. “One Minute Tree Revisited 2026” il titolo (fino al 19 giugno, www.pianamola.org), con opere installate da trentacinque artisti, a replicare l’idea della rassegna del 2010. Il filo conduttore è “l’incontro-scontro - spiega – tra Natura e Arte”, intercettando “le relazioni che legano le prime due con il Paesaggio e, suggerisco, con la Storia”.

Per il resto, libertà assoluta per gli artisti, sia nella scelta del mezzo con il quale veicolare il proprio messaggio – pittura, scultura, installazioni multimediali, grafica, disegno, performance – sia dell’angolo del giardino in cui collocare l’opera. Ne è nata una rigenerazione del paesaggio: il percorso che ciascuno può fare nei sentieri di Pianamola diventa un pellegrinaggio alla ricerca di senso, perché ogni opera nella quale ci si imbatte – illustrata bene dalle schede che l’affiancano, unica ma necessaria intrusione didascalica – sollecita la riflessione, la sosta.

Installazioni e opere tra gli alberi

L’albero è perlopiù il supporto, l’ancoraggio vivo. Paola Babini – già presente dal 2010 con un’installazione permanente, “L’albero bionico” – in questa rassegna 2026 propone “L’eco dei rami” appendendo appunto al tronco di quercia una sottile lastra apparentemente riflettente nella quale esili neri rami si intessono come un ricamo sullo sfondo di un’architettura a vetrate.

Il senso del sacro nella natura

Il senso del sacro perduto e ritrovato nella Natura è quanto suggerisce Mauro Magni che nella “Grotta Verde” fa calare dai rami “Reliquari” dorati, “frutti” e “fiori” estemporanei ma simbolici, memori del miracolo. Presenze assertive, totem primordiali sono quelli di Mara van Wees intitolati “Uni(ci)tà” e poggiati a dialogare su una piccola radura. Allo spirito aleggiante nel paesaggio allude Samuele Vesuvio che dispone davanti all’imponenza di una quercia il suo “Silver Ghost”, fantasmino di sottile metallo, sorridente ed evanescente.

Scendono da rami gli “Ospiti” di Paul Wiedmer, liane fosforescenti ancorate con moschettoni e chissà se servono per salire lassù o per scendere, se gli estranei siano esseri umani o fiere, o insetti, o lucertole, o uccelli. Si mimetizzano con il prato fiorito le terrecotte policrome di Mirna Manni, al pari di pietre candide tempestate in superficie da pointillisme policromo, e pensi siano precipitate dal cielo prodigiosamente. E al cielo si rivolge l’“Astrolabio” – preghiera e scienza nell’austero grigio metallo - di Tommaso Cascella. Solo e felice è l’“Albero (donna) che abbraccia sé stesso” della Resegotti, la quale racconta di aver voluto salvare e dare un’anima in più a un tronco di acacia dealbata che il vicino le aveva chiesto di recidere perché invadeva la sua proprietà. Così l’artista vegetale rilancia la fantasia della Natura sull’intransigenza di chi ne fa scarto.

Musica e performance nel giardino

Altrove sono musica e suoni. La voce morbida e insieme profonda di Massimo Napoli recita in un video “Astuti arbusti”, i versi di Claudia Quintieri: “Fiaba d’estate, primavera/ In fiori impavidi/: Accelerati da congiunzioni linfatiche/ Radici sfolgoranti/ Sezioni immaginifiche:/ Saziano le api/ Sparse nell’empireo / Divagante in commemorazioni. / Astuti arbusti”. E lo stesso Napoli – artista e attore – si è fatto protagonista durante il vernissage della performance “La psicologia dell’albero” che è anche il titolo di una serie di suoi rigorosi introspettivi disegni a matita e pastelli su carta esposti nel salone-galleria del Giardino di Pianamola.

L’installazione di Koopmann

Colpisce e ammonisce “An die Freude”, l’installazione di Hans-Hermann Koopmann: dal terreno sbucano tre neri tubi curvi, la bocca cerchiata di arancione, il colore ricorrente di Koopmann perché, spiega, a Berlino è il colore delle ambulanze, ovvero i mezzi per chi ha immediato bisogno di soccorso. Sono una sorta di trombe che emergono dalle viscere del Pianeta: diffondono le note immortali dell’Inno alla Gioia di Beethoven, che è poi l’inno dell’Unione Europea. Ma poi emettono un suono dolente, la Voce della Terra, con il lamento dei suoi sotterrati nel presente falcidiato dalle guerre.

Addio a David Hockney, visionario della pop art tra pennello e pixel

agi — Fri, 12 Jun 2026 12:22:12 GMT

AGI - Addio a David Hockney. Il grande maestro della pop art è morto a 88 anni nella sua casa di Londra. “Ho fatto tutto quello che volevo fare. Non rimpiango nulla”, è il mantra della sua vita. Il ciuffo folto e biondo (con gli anni diventato candido), e la sigaretta sempre accesa sono stati il timbro di un artista inconfondibile.

Le opere di Hockney

Lo sguardo azzurro chiaro dietro alla montatura degli occhiali tondi ha fotografato per oltre mezzo secolo quel mondo di colori di cui è stato padre artistico. Settant’anni di opere. I paesaggi del suo Yorkshire o della California. Le piscine trasparenti, i cieli limpidi e i ritratti. Hockney fu anche uno dei protagonisti della scena culturale tra Londra e gli Stati Uniti accanto a Andy Warhol o Dennis Hopper.

Nel 2018 Portrait of an Artist (Pool With Two Figures) fu venduto da Christie’s per 90,3 milioni di dollari. Un record assoluto, ai tempi, per un artista ancora in vita.

Hockney tra pennello e pixel

Pennello in una mano e i pixel sullo schermo. Pioniere della tecnologia innestata nell’arte contemporanea Hockney trasformò l’iPad in una tavolozza di colori grazie all’applicazione “Brushes”.

L'annuncio della morte di Hockney

David Hockney, "si è spento serenamente nella sua casa l'11 giugno 2026, un mese prima del suo 89esimo compleanno", ha dichiarato in un comunicato Erica Bolton, responsabile dell'agenzia che lo rappresentava.

Dalla Swinging London alle piscine assolate di Los Angeles, David Hockney è stato uno degli artisti britannici più riconoscibili e influenti del secondo Novecento. Nato a Bradford nel 1937 in una famiglia operaia e radicale, quarto di cinque figli, Hockney mostrò presto un talento fuori dal comune. Studiò al Bradford College of Art e poi al Royal College of Art di Londra, dove si impose subito come figura ribelle e originale.

La stagione della pop art

Il suo nome resta legato alla stagione della pop art e a opere come 'A Bigger Splash' e 'Portrait of an Artist (Pool With Two Figures)', dipinti che contribuirono a definire l'immaginario visivo della California: cieli limpidi, piscine, corpi, desiderio, malinconia. Ma ridurre Hockney a una sola stagione sarebbe fuorviante. In oltre sessant'anni di carriera ha attraversato pittura, fotografia, collage, scenografia, paesaggio, ritratto e sperimentazione digitale.

La sfida alle convenzioni

Fin dagli anni Sessanta, Hockney sfidò apertamente le convenzioni sociali e artistiche. Opere come 'We Two Boys Together Clinging', ispirata a Walt Whitman, portarono sulla tela l'esperienza omosessuale con una franchezza rara in una Gran Bretagna in cui l'omosessualità sarebbe rimasta reato fino al 1967. Con i capelli biondo platino, gli occhiali tondi e la sigaretta sempre accesa, divenne anche un personaggio della scena culturale tra Londra e gli Stati Uniti, vicino ad Andy Warhol, Ossie Clark e Dennis Hopper.

La svolta aLos Angeles

Il trasferimento a Los Angeles a metà degli anni Sessanta segnò una svolta decisiva. Qui Hockney sviluppò uno stile più maturo e controllato, capace di trasformare scene apparentemente fredde e luminose in racconti di amore, perdita e solitudine. Nel 2018 Portrait of an Artist (Pool With Two Figures) fu venduto da Christie’s per 90,3 milioni di dollari, all'epoca record mondiale per un artista vivente.

Sperimentazioni e innovazione

La sua ricerca non si fermò mai. Con i “joiners”, collage fotografici composti da più scatti Polaroid, Hockney indagò il tema della prospettiva, dialogando idealmente con Picasso e il cubismo. Più avanti sperimentò con fax, fotocopiatrici, stampanti, iPad e tecnologie 3D, interessato a ogni strumento capace di “fare un'immagine”. “Mi interessa tutto ciò che produce una figura”, spiegò nel 2013.

Un artista iconoclasta

Iconoclasta anche fuori dallo studio, rifiutò più volte il titolo di cavaliere e declinò l'invito a ritrarre la regina. Nel libro Secret Knowledge mise in discussione molte certezze sulle tecniche degli antichi maestri, dividendo critici e storici dell'arte. Nonostante lutti, polemiche e problemi di salute, Hockney ha continuato a lavorare con una disciplina quasi ostinata. “Insegnare a disegnare significa insegnare a guardare”, disse nel 2018. La chiave della sua eredità è in queste parole e nella volontà di rappresentare in modo nuovo tanto il mondo contemporaneo, quanto il modo di osservarlo.

Presentata la seconda edizione del Premio Magis Bancomat per la narrativa italiana

agi — Fri, 12 Jun 2026 10:28:36 GMT

AGI - Al via la seconda edizione del Premio Magis Bancomat, nato per iniziativa di Fondazione 153, con la partecipazione di Bancomat in qualità di main sponsor e il supporto della Fondazione Silvano Toti. Finalizzato a celebrare la letteratura italiana promuovendo al contempo progetti solidali selezionati con la massima cura e attenzione, il premio si articola in due sezioni: Magis Bancomat Letteratura, per autori affermati, e Magis BANCOMAT Esordienti.

La giuria e gli organismi umanitari

Una giuria di alto profilo, presieduta da Marco Lodoli, sarà impegnata nella scelta delle opere più meritevoli. Ne fanno parte Giulia Caminito, Andrea Carraro, Carlo D’Amicis, Mario Desiati, Donatella Di Cesare, Angelo Ferracuti, Maria Ida Gaeta, Filippo La Porta, Carlo Lucarelli, Annamaria Malato, Sebastiano Nata, Valeria Parrella, Sandra Petrignani, Roberto Saviano, Gianluigi Simonetti, Antonio Spadaro, Elena Stancanelli, Emanuele Trevi e Sandro Veronesi. Sono ammesse a concorrere le opere di narrativa italiana pubblicate tra il 1° agosto 2025 e il 31 luglio 2026. Le case editrici possono candidare fino a due opere, una per sezione; anche i membri della giuria possono segnalare titoli ritenuti meritevoli. Quanto agli organismi umanitari che beneficeranno delle donazioni, per il 2026 Fondazione Avsi si aggiunge al gruppo di realtà già coinvolte, composto da Banco Alimentare, Busajo, Caritas, Progetto Rwanda e Save the Children.

Il meccanismo del premio

L’aspetto della solidarietà rende unico questo riconoscimento letterario, che quest’anno porta a 300.000 euro il contributo destinato agli organismi umanitari impegnati in progetti contro la fame e a sostegno dell’istruzione e dell’imprenditoria femminile. Il vincitore del Magis Bancomat Letteratura riceverà un premio di 10.000 euro e contribuirà a distribuirne 180.000 tra Avsi, Busajo, Caritas, Progetto Rwanda e Save The Children: ogni ente riceverà 30.000 euro, mentre a quello indicato dall’autore dell’opera vittoriosa ne saranno assegnati altri 30.000. Al vincitore della sezione Esordienti andrà un premio di 4.000 euro e il compito di assegnare 120.000 euro ai tre progetti preselezionati del Banco Alimentare, destinandone 30.000 a uno in particolare.

Le voci

In occasione della presentazione agli Horti Sallustiani di Roma, l’ideatore del premio e presidente del Comitato direttivo Sebastiano Nata ha sottolineato la profondità del legame tra scrittura e impegno sociale: “Il lavoro di chi scrive e quello di chi opera in campo umanitario, pur diversi, condividono la necessità di tempo, creatività e attenzione. Ogni libro e ogni persona aiutata a raggiungere autonomia e libertà sono il risultato di cura e responsabilità. Per questo la nostra frase manifesto ‘raccontare il mondo, renderlo un posto migliore’, pur se ambiziosa, rappresenta con fedeltà lo spirito che ci guida” “Questo secondo anno del premio conferma la volontà di costruire un appuntamento stabile con la narrativa italiana, che per noi significa dare forma a valori nei quali ci riconosciamo”, ha dichiarato il presidente di Bancomat Franco Dalla Sega. Per il presidente della giuria Marco Lodoli, “unendo la ricerca del miglior libro alla possibilità di sostenere concretamente progetti sociali, questo premio rappresenta un viaggio importante: la fantasia ci porta lontano, la solidarietà ci fa stare vicino a chi ha bisogno”. La presidente di Più Libri Più Liberi e membro della giuria Annamaria Malato ha ricordato il ruolo della manifestazione romana, che il 5 dicembre ospiterà la serata conclusiva del premio condividendone a pieno e sin dall’inizio l’ispirazione, “capace di coniugare la valorizzazione della migliore letteratura con il gesto concreto e solidale, unico nelle sue dimensioni in Italia”. La scrittrice Giulia Caminito ha infine sottolineato come: “lo stimolante clima di confronto tra scrittori e scrittrici che caratterizza il lavoro della giuria la conduca sempre a scegliere libri di grande forza e spessore qualitativo”. Per informazioni dettagliate e regolamento è possibile consultare il sito del premio.

Solo italiani a servire tra i tavoli del ristorante di lusso del Titanic

agi — Thu, 11 Jun 2026 08:59:36 GMT

AGI - Ci sono tante navi della storia entrate nell’immaginario collettivo, ma nessuna ha la forza evocativa del Titanic. Non c’è Bounty che tenga, né una Bismarck e neppure una Yamato, rispetto al transatlantico che ha oscurato nella sua categoria persino l’italiano Rex del Nastro Azzurro, il Queen Mary e, a parità di destino, anche l’Andrea Doria. Il primo nome che viene in mente è proprio Titanic. La nave che doveva sfidare e battere ogni record e ogni impresa, costruita sulle iperboli della modernità e del lusso più accentuato a partire proprio dalla scelta di chiamarlo così, veniva varata il 31 maggio 1911 e finirà a fondo nel viaggio inaugurale dopo neppure un anno.

Il varo dell’”inaffondabile” il 31 maggio 1911, l’anno prima del viaggio inaugurale

L’avveniristico progetto firmato dall’architetto navale Thomas Andrews, dal presidente dei cantieri navali di Belfast Harland & Wolff incaricati di costruire il transatlantico, William Pirrie, e da Alexander Montgomery Carlisle, doveva dare il predominio delle rotte per l’America alla compagnia di navigazione White Star Line sulla rivale Curland. L’antagonismo era giocato anche sull’immediata riconoscibilità delle navi delle flotte: i nomi terminavano tutti con “ic” nel caso della società fondata a Liverpool e in “ia” in quello con sede a Southampton. Il Titanic era un passo avanti alle moderne gemelle Olympic e Britannic, ed era destinato a surclassare il Lusitania e il Mauretania.

L’ordine era partito nel 1907, i lavori erano iniziati il 31 marzo 1909 e si erano conclusi esattamente 26 mesi dopo, con il varo. Poi erano trascorsi altri tredici mesi per la messa a punto, per l’entrata in servizio il 10 aprile 1921. Dopo cinque giorni il Titanic, con il disastro nelle acque gelate al largo di Terranova, colava a picco dopo l’urto con un iceberg ed entrava nella leggenda. Era considerato talmente sicuro da essere stato soprannominato “inaffondabile”. Il comandante Edward John Smith era ritenuto uno dei più esperti ed abili al mondo.

Dieci italiani come passeggeri nelle tre classi: quattro i sopravvissuti

Tra i 1.317 passeggeri e gli 892 membri dell’equipaggio (cifre convenzionali, su cui occorre fare delle tare per le discrepanze tra effettivi presenti e biglietti venduti) c’erano 37 italiani. Si tratta di una stima quasi esatta perché le indicazioni di nazionalità, dopo il computo delle vittime e realizzazione dei quadri statistici, venne fatto anche in base all’assonanza linguistica dei cognomi. È certo invece che tutto il personale di servizio al ristorante di prima classe “À la carte” era formato da italiani. Italiano era infatti Gaspare “Luigi” Gatti (1875-1912), incaricato dalla White Star Line della direzione e della gestione del ristorante di lusso dapprima sull’Olympic e successivamente sul Titanic.

Originario di Montalto Pavese e trasferitosi da tempo in Inghilterra dove si era sposato, aveva intrapreso con successo a Londra la carriera di ristoratore. Nel 1912 la compagnia gli aveva affidato la responsabilità della grande sala da oltre 150 posti, in cui era possibile ordinare quello che si desiderava (contrariamente al consueto menu fisso), dove aveva voluto al suo fianco 26 camerieri e personale di servizio italiani, il più anziano dei quali aveva 43 anni e il più giovane 17. L’intero staff di Gatti, ufficialmente, non apparteneva all’equipaggio, anche se andava computato al personale. Degli italiani ci resta una fotografia scattata proprio prima della partenza del viaggio inaugurale, e una copia era stata consegnata a un bambino che si era messo in posa vicino al papà e non era partito con lui.

Quelle strane coincidenze per il naufragio più famoso della storia del mare

Il Titanic appariva un simbolo del lusso, del comfort e dell’ingegneria. Un avveniristico hotel galleggiante, diviso in tre classi, ognuna delle quali era nettamente superiore per qualità e servizi agli standard dell’epoca. Tutto era stato pensato per stupire. Il transatlantico salpò da Southampton alla 12.06 del 10 aprile, con un’ora circa di ritardo rispetto a quanto previsto per un piccolo incidente con un’imbarcazione ormeggiata vicina al gigante dei mari, il New York: portava il nome del porto dove il transatlantico era atteso nella mattinata del 17 aprile, al molo 59, dove non sarebbe mai arrivato. Il giorno dopo, invece, approderà il Carpathia per sbarcare circa 700 superstiti recuperati dalle lance di salvataggio. Tra le tante coincidenze del tragico naufragio del Titanic, anche la decisione nefasta di trasportare 16 scialuppe e 4 lance pieghevoli in legno e tela, quando il progetto ne prevedeva fino a 64 in legno, con capienza utile di 4.000 persone.

Ma non c’era nessuna legge allora in vigore che collegasse il numero dei mezzi di emergenza a quello dei passeggeri, e quindi solo un terzo sul Titanic poteva essere teoricamente messo in salvo in caso di affondamento. C’erano salvagenti per tutte le persone a bordo (la dotazione era di oltre 3.500), ma era improponibile la salvezza nell’acqua ghiacciata e con temperatura di zero gradi. Erano poi stati dimenticati i binocoli in dotazione agli ufficiali per la navigazione a vista. Con quattro compartimenti stagni allagati la nave sarebbe potuta rimanere tranquillamente a galla. Invece quella notte furono cinque quelli a essere inondati d’acqua e il disastro fu inevitabile.

Guglielmo Marconi era stato invitato ma poi era salito a bordo del Lusitania

I marconisti ebbero il tempo di lanciare l’allarme e far convergere verso il punto dell’impatto le navi con rotta utile a intervenire, e questo dimostrò al mondo quanto fosse utile, anzi indispensabile, la radio di Guglielmo Marconi. L’inventore dello strumento e delle telecomunicazioni era stato invitato a quel viaggio inaugurale, ma aveva scelto di imbarcarsi sul Lusitania. Nell’affondamento dell’“inaffondabile” nella notte tra 14 e 15 aprile 1912 morirono tutti i macchinisti, tutti gli orchestrali e tutto il personale non marittimo. Non ci furono quindi superstiti tra lo staff italiano di Gatti, anch’egli scomparso tra i flutti.

C’erano anche altri italiani tra i passeggeri: due in prima classe, quattro in seconda e quattro in terza. Di questi si salveranno in quattro. Il corpo senza vita di Gaspare “Luigi” Gatti sarà ripescato dal personale della nave Minia impegnata nelle operazioni di recupero dei cadaveri tenuti a galla dai salvagente nel periodo 26 aprile-6 maggio, e successivamente identificato. Aveva 37 anni. I suoi resti sono stati inumati nel cimitero canadese di Fairview, ultimo approdo di molte vittime del naufragio del Titanic. Il simbolo della Belle Epoque e della grande stagione dei transatlantici, lo è diventato anche di un’epoca che si avviava al tramonto. Le due compagnie White Star e Cunard si fonderanno nel 1934 per reggere la crisi indotta dall’aggressiva rivalità tedesca e il calo delle immigrazioni negli Usa, e dopo la seconda guerra mondiale non sopravviveranno all’avvento dei jet.

Vitruvio e lo studioso, l'architettura diventa teatro con Ettore Bassi

agi — Wed, 10 Jun 2026 11:03:34 GMT

AGI - La grandezza di Vitruvio, il padre dell'architettura occidentale, e il ricercatore che per primo ne aveva localizzato la Basilica di cui sono stati recentemente scoperti i resti: questo dialogo è andato in scena alla Rocca malatestiana di Fano, con Ettore Bassi nei panni del grande architetto di Augusto affiancato dal professore Paolo Clini. Uno spettacolo inedito che ha registrato il tutto esaurito e per un'ora e mezza ha emozionato il pubblico.

La conferenza-spettacolo 'Io sono Vitruvio – La Basilica Ritrovata', che presto potrebbe essere riproposta su altri palcoscenici, nasce da un’idea di Angelo Bertoglio: il testo è di Giovanni Fabiano e la regia di Massimo Puliani. In questo format originale il linguaggio della scena accompagna e amplifica una vera e propria lezione universitaria, rendendo accessibili a tutti i contenuti della ricerca storica e archeologica. Ricerca che a gennaio proprio a Fano ha portato all'annuncio del ritrovamento dei resti della basilica di Vitruvio, l'unico edificio attribuito con certezza all'architetto che ne parla nel suo 'De Architectura'.

L'Avatar di Vitruvio e il dialogo con la contemporaneità

L'Avatar di Vitruvio interroga il docente al Politecnico delle Marche sulla nostra contemporaneità e sulla evoluzione storica del suo pensiero. Lo spettacolo, ispirato agli studi di Clini, ci racconta uno dei più straordinari personaggi dell'antichità, la sua influenza su giganti come Raffaello, Leonardo da Vinci e Palladio, fino a Gaudì e agli architetti contemporanei per i quali equilibrio, bellezza e solidità rimangono principi irrinunciabili.

"Più delle pietre vale il pensiero di chi le ha costruite", argomenta Vitruvio-Bassi.

"Abbiamo voluto costruire un ponte tra sapere scientifico ed emozione teatrale", ha spiegato Clini, "affinché una scoperta di straordinario valore storico potesse diventare patrimonio condiviso".

"Vitruvio continua a parlare al presente. Il teatro offre la possibilità di restituire voce e umanità a un pensiero che attraversa i secoli e continua a interrogare la società contemporanea", ha affermato Ettore Bassi.

La sfida della divulgazione: dal "Galileo" alla "Luce"

Giovanni Fabiano, autore del testo, ha sottolineato come la sfida fosse "trasformare una grande vicenda archeologica in una narrazione capace di coinvolgere il pubblico mantenendo intatto il rigore della ricerca":

"Il teatro rende magico il rapporto fra realtà e finzione, fra attore e divulgatore, fra Vitruvio maschera greca e il docente che ricorda il personaggio Galileo di Brecht. Quest'ultimo fa chiudere il suo storico spettacolo con la parola "Notte", mentre l'autore del testo attuale, Giovanni Fabiano, fa dire a Vitruvio la parole 'Luce'... così si guarda al futuro con la Basilica di Fano e non al passato".

Beatrice Venezi contesta la risoluzione del contratto de La Fenice: "Decisione discriminatoria”

agi — Wed, 10 Jun 2026 10:20:12 GMT

AGI - La direttrice d'orchestra Beatrice Venezi ha fatto recapitare, attraverso i suoi avvocati, una lettera a La Fenice con cui contesta la decisione annunciata dal sovrintendente Nicola Colabianchi con cui si dichiarava risolta ogni collaborazione professionale tra il teatro veneziano e la Maestra. La decisione, precisa la missiva, sarebbe "nullo, illegittimo, inefficace e discriminatorio".

Gli avvocati della Venezi sostengono che la direttrice d'orchestra sarebbe venuta a conoscenza della volontà di interrompere ogni collaborazione professionale attraverso gli organi di stampa, il 26 aprile quando il sovrintendente Nicola Colabianchi l'ha annunciato alla luce di "presunte e apodittiche 'dichiarazioni', in alcun modo precisate, rese dal maestro Beatrice Venezi ad una non meglio individuata e precisata 'stampa internazionale' e che in ragione di tali presunte ed imprecisate dichiarazioni sarebbe stata lesa l'immagine della Fondazione". La decisione, secondo i legali della Venezi, sarebbe quindi del tutto nulla e priva di alcuna efficacia.

La posizione della Maestra e la conferma della Fondazione

La Maestra precisa inoltre che da parte sua "in ossequio all'impegno contrattuale assunto, intende continuare a mettere a disposizione della stessa Fondazione le proprie energie e prestazioni artistiche professionali e compiere tutte le attività professionali, organizzative e produttive preliminari ed essenziali al rapporto lavorativo siglato tra le parti, nonostante le numerose attività ostative ad oggi poste in essere dalla dirigenza apicale al fine di limitare ed impedire l'esecuzione delle stesse prestazioni lavorative".

La ricezione della lettera da parte della Fondazione Teatro La Fenice è stata confermata all'AGI da fonti qualificate.

Proprio oggi è in programma una conferenza stampa in cui il sovrintendente e direttore artistico Nicola Colabianchi presenterà la nuova stagione 2026/2027 del Teatro veneziano.

Gaudí, il genio tra natura e architettura

agi — Wed, 10 Jun 2026 09:17:29 GMT

AGI - Antoni Gaudí non ha semplicemente progettato edifici; come architetto ha ridefinito il concetto stesso di spazio, eliminando la linea retta a favore delle forme curve e organiche. Passeggiando per Barcellona l'impatto delle sue opere è immediato: strutture che sembrano vive, nate dalla mente di un progettista che l'ambiente accademico dell'epoca faticava a catalogare.

Nato in Catalogna nel 1852, Gaudí trascorre un'infanzia segnata da problemi di salute che lo costringono a lunghi periodi di riposo. È in questo isolamento che sviluppa una sensibilità geometrica e un'osservazione meticolosa della natura. Per lui le forme naturali non sono semplici decorazioni, ma soluzioni strutturali perfette: i tronchi degli alberi diventano colonne inclinate e le ossa umane ispirano archi capaci di distribuire i pesi in modo rivoluzionario. Quando si laurea alla Scuola di Architettura di Barcellona nel 1878, il direttore della scuola dice di lui: "Non so se abbiamo dato il titolo a un pazzo o a un genio, il tempo lo dirà". Il tempo, decisamente, ha dato la sua risposta.

La svolta con Güell

La svolta della sua vita arriva grazie all'incontro con Eusebi Güell, un ricchissimo industriale che intuisce il potenziale di quell'uomo fuori dagli schemi e gli dà praticamente carta bianca (e un budget quasi illimitato). Nascono così capolavori come il Park Güell e il Palazzo Güell, dove il colore esplode grazie alla tecnica del trencadís, quel mosaico geniale fatto di frammenti di ceramica e vetro di recupero. Gaudí trasforma lo scarto in arte pura.

Il progetto della Sagrada Família

Dal 1883 la sua vita si identifica quasi interamente con il cantiere della Sagrada Família. Negli ultimi anni l'impegno si trasforma in un isolamento totale: si trasferisce a vivere all'interno dell'officina del tempio, trascurando l'aspetto personale e dedicando ogni risorsa al progetto. Consapevole della complessità dell'opera e dei tempi necessari per completarla, era solito ricordare che il suo "committente" non aveva fretta.

La morte e l'incidente

Nel giugno del 1926, all'età di 73 anni, Gaudí viene travolto da un tram mentre si reca alla chiesa di Sant Felip Neri. A causa del suo abbigliamento estremamente dimesso, i passanti e i soccorritori lo scambiano per un povero, ritardando il trasporto in ospedale. Muore tre giorni dopo.

La sepoltura nella Sagrada Família

L'architetto è sepolto nella cripta della Sagrada Família, l'opera incompiuta che continua a definire l'identità visiva di Barcellona.

Il percorso dell'architetto verso la santità

Il 14 aprile 2025 Papa Francesco ha approvato il decreto che riconosce le "virtù eroiche" di Antoni Gaudí, dichiarandolo ufficialmente Venerabile. È il secondo passo nel percorso verso la santità stabilito dalla Chiesa cattolica. Dopo essere stato considerato "Servo di Dio", il riconoscimento della venerabilità attesta che l'architetto ha vissuto i valori cristiani in modo straordinario e profondo, tanto da essere spesso definito, anche negli ambienti vaticani, "l'architetto di Dio". Per l'eventuale beatificazione sarà ora necessario il riconoscimento di un miracolo attribuito alla sua intercessione.

Leone inaugura l'ultima Torre della Sagrada Familia, ma i lavori non sono ancora finiti. Q...

agi — Wed, 10 Jun 2026 09:13:42 GMT

AGI – Con una messa solenne in programma stasera in commemorazione del centenario dalla morte di Antoni Gaudì, Papa Leone XIV inaugura la Torre di Gesù Cristo della Sagrada Familia, l’ultima che restava da terminare nella mastodontica e (ancora) incompiuta opera del celebre architetto, dichiarato venerabile da Papa Francesco. La 18esima Torre è destinata ad essere non solo la più alta della basilica dichiarata patrimonio dell’umanità dall’UNESCO, ma anche una delle strutture più alte di Barcellona (172,5 metri) che, con la sua croce a quattro bracci, trasformerà lo skyline della città. L'ultimo mattone farà anche della Sagrada Familia la chiesa più alta al mondo.

La conclusione dei lavori nel 2036

Il termine dei lavori della Sagrada Familia era fissato nel 2026. Tuttavia, la pandemia di coronavirus ha sconvolto i piani della Giunta Costruttrice della basilica. Secondo le ultime stime, l’iconico monumento sarà terminato nel 2036, più di 150 anni dopo che Gaudí assunse la direzione del progetto.

Parallelamente alla costruzione delle torri, infatti, ci sono diversi progetti in corso in altre aree della basilica, come i lavori per le fondamenta del futuro Battistero, quello per completare la Cappella dell’Assunzione e i chiostri annessi, e il restauro delle torri della facciata della Natività, la parte più antica del tempio.

Perché serve così tanto per completarla

L’interminabile durata dei lavori della Sagrada Familia può essere attribuita a diversi fattori. Il design innovativo e complesso di Gaudí ha posto significative sfide tecniche, ma non è il principale problema. La morte improvvisa dell’architetto rappresentò un contrattempo importante per il progetto. Quando Gaudì morì, infatti, solo un quarto del tempio era stato completato. Non aiutarono i costanti cambiamenti nella gestione dei piani, e il succedersi di architetti che assunsero il controllo nei decenni successivi. Durante la Guerra Civile spagnola parte dell’opera già realizzata subì danni e si persero i progetti originali e i modelli,

Ma uno degli ostacoli più grossi è sempre stato il finanziamento. Fin dai suoi inizi, la Sagrada Familia ha dipeso in gran parte da donazioni private per la sua costruzione. Infine, a rallentare ancora i tempi in tempi più recenti, è arrivata la pandemia di Covid-19, prima con le restrizioni sanitarie e i lockdown che hanno costretto a fermare temporaneamente i lavori, e poi con il calo del turismo che ha ridotto i guadagni.

La storia della Basilica

La Basilica della Sagrada Família, la cui costruzione iniziò nel 1882, è una delle peculiarità distintive dell’identità di Barcellona, riconosciuta in tutto il mondo e visitata da milioni di persone. L’idea di realizzare una chiesa di espiazione dedicata alla Sacra Famiglia nell’allora zona periferica di Eixample fu del libraio Josep Maria Bocabella, ispirato dal sacerdote Josep Manyanet i Vives (canonizzato il 16 maggio 2004), fondatore delle Congregazioni dei Figli e delle Missionarie Figlie della Sacra Famiglia. Bocabella fondò l’Asociación de Devotos de San Josep e nel 1881, grazie alle donazioni, la stessa acquistò un terreno di 12.800 metri quadrati per la costruzione del luogo di culto. Il 19 marzo 1882, memoria liturgica di San Giuseppe, fu posata la prima pietra.

Il progetto venne inizialmente affidato a un altro architetto, Francesc de Paula Villar, per poi passare a Gaudí alla fine del 1883. Il nuovo progetto era molto più ambizioso di quello precedente: prevedeva la costruzione di tre facciate, dedicate rispettivamente alla Nascita, Crocifissione e Resurrezione di Gesù, sette navate e diciotto torri. Questo è senza dubbio il progetto più complesso e singolare tra tutti quelli che Gaudí ha intrapreso nel corso della propria carriera professionale e a cui ha dedicato 43 anni della sua vita.

La visione di Gaudì

La visione del massimo esponente del modernismo catalano si basa su due concetti portanti: la dottrina cristiana e l’osservazione della natura. Per Gaudí, la natura è chiaramente legata alla religione, in quanto opera di Dio. È per questo che molti degli spazi hanno forme organiche o si ispirano a elementi naturali, come la navata centrale e le relative colonne, che rappresentano una foresta rigogliosa popolata di alberi.

Anche la luce rappresenta un elemento fondamentale nella Basilica, poiché non serve solo a illuminare, ma pure a creare spazi ricchi di significato che esprimono pienamente il genio dell’artista. Uno dei migliori esempi è costituito dall’illuminazione dei diversi portali: in quello della Natività, ad esempio, la luce del sole arriva all’alba, simboleggiando la nascita; al contrario, il sole tramonta nel portale della Passione, a simboleggiare la morte. Infine, sulla facciata della Gloria il sole batte per tutta la giornata, illuminando completamente la navata e simboleggiando la resurrezione.

Le 18 torri

Le diciotto torri della Sagrada Família costituiscono uno degli elementi più caratteristici della grande opera di Gaudí e sono diventate autentiche icone della città di Barcellona. Dal punto di vista artistico e culturale, si suole parlare di quattro gruppi differenti: le torri degli Apostoli, le torri degli Evangelisti, la torre della Vergine Maria e la torre di Gesù Cristo. L’altezza delle torri dedicate ai dodici Apostoli è tra i 112 e i 98 metri, a seconda che siano posizionate nella parte centrale della composizione o ai lati delle facciate della Natività o della Passione. Le quattro che circondano la grande torre di Gesù Cristo, ciascuna alta 135 metri, sono erette in onore degli Evangelisti Marco, Luca, Matteo e Giovanni e, per questo, presentano simboli rappresentativi nella loro parte superiore: un leone, un bue, un angelo e un’aquila.

La costruzione in onore della Vergine Maria supera di tre metri quelle degli Evangelisti, raggiungendo un’altezza totale di 138 metri. Ciò che colpisce di più dell’opera è l’elemento che la corona: una stella a dodici punte che ogni notte si illumina con un’intensa luce bianca, visibile da chilometri di distanza. La torre di Gesù è la vera protagonista del progetto di Gaudí: 172,5 metri di pietra, che rendono l’edificio il più alto di Barcellona e la chiesa più alta del mondo. Gaudí scelse questa misura affinché la torre rimanesse mezzo metro al di sotto della cima della montagna di Montjuïc, poiché riteneva che l’opera dell’uomo non dovesse superare quella di Dio. Sulla sommità della torre di Gesù si trova una croce, larga circa 13 metri, realizzata in vetro e ceramica bianca smaltata.

La morte di Gaudì e i successori al progetto

Dopo la tragica morte di Antoni Gaudí, il 10 giugno 1926, tre giorni dopo essere stato investito da un tram mentre camminava lungo la Gran Via di Barcellona, il suo discepolo Domènec Sugrañes subentrò nella costruzione, fino al 1938. Durante la Guerra Civile spagnola ci fu un incendio nella cripta che colpì anche le scuole provvisorie e il laboratorio dove venivano conservati tutti i progetti e i modelli lasciati da Gaudí, affinché altri potessero terminare il loro lavoro. Hanno poi partecipato alla realizzazione dell’opera Isidre Puig Boada, Lluís Bonet i Garí, Francesc de Paula Cardoner Blanch, Jordi Bonet Armengol e Jordi Faulí Oller, che ricopre l’incarico dal 2012. Il 7 novembre 2010 Papa Benedetto XVI l’ha elevata al rango di Basilica

Il santo a quattro zampe

agi — Wed, 10 Jun 2026 07:17:04 GMT

AGI - Lo conoscono tutti come il cane sanbernardo: grande, grosso e bonaccione. Il suo nome non lo deve al caso ma a un santo, Bernardo appunto, dal 1923 patrono “non solo di abitanti e viaggiatori delle Alpi – come quell’anno lo proclamò papa Pio XI - ma anche di coloro che si esercitano a salirne le vette”. Festa il 12 giugno.

Guardando al caro bestione con la fiaschetta al collo e la lingua a penzoloni è probabile che non si pensi subito all’uomo pio dell’XI secolo che gli ha dato una carta d’identità e lo ha reso noto al grande pubblico. Magari è più facile ricordare il cartone animato con la piccola Heidi e il suo cane Nebbia che corrono sugli alti pascoli elvetici.

Oppure si è solo colpiti dall’aspetto di questo gigante buono a quattro zampe che l’Ente nazionale della cinofilia italiana descrive così: “Molossoide, a pelo lungo o corto, pezzato, corpo forte, aspetto maestoso, carattere amabile e di temperamento tranquillo”. Insomma, un cane più da baciare che da temere.

Caratteristiche e comportamento del Sanbernardo

Infatti, la testa del sanbernardo non compare tra quelle impresse in primo piano sui cartelli “attenti al cane” all’esterno di ville e giardini. Occhio però a non sottovalutarlo. Il Fido di montagna è un peso massimo: può raggiungere quasi un metro di altezza (90 centimetri), oltre 80 chili di peso e va avvicinato tenendo a mente altri due aspetti del suo carattere segnalati sempre dall’Enci: cane “vivace e vigile”.

Origini nei valichi alpini

Il “c’era una volta” di questa storia, dunque, comincia dopo il Mille. Le fonti dicono che a quel tempo per andare in Francia o Svizzera, cioè oltralpe, masse coraggiose di pellegrini, viaggiatori e mercanti tentavano il passaggio a piedi tra le Alpi. Un’avventura talvolta mortale che prima di loro avevano affrontato, per esempio, anche i soldati dell’antichità, i Romani. Ma non importa, i pendolari della montagna dell’XI secolo non erano intenzionati a rinunciare, camminavano nonostante tutto.

E un giorno, in questa tempesta di pericoli, accadde qualcosa. Con fede in Dio e compassione per quei poveretti, un uomo – Bernardo - riuscì a cambiare le cose: costruì due rifugi per viandanti.

La svolta di Bernardo

“Nato ad Aosta all’inizio dell’XI secolo da una nobile famiglia, forse dei Visconti di Aosta – scrive il dizionario ‘Santi e patroni (De Agostini, 2010) - Bernardo fu arcidiacono della città”. Sul luogo di nascita “Il grande libro dei santi” (San Paolo Edizioni, 1998) fornisce dettagli leggermente diversi. Riferisce che in passato il santo era conosciuto “soprattutto come Bernardo da Mentone, dal castello presso il lago di Annecy, in Alta Savoia, dove sarebbe nato”: praticamente una località sulla linea di confine tra Italia e Francia. Ma “i dati storici sono scarsissimi”, precisa poi il testo.

Quell’uomo come trovò i soldi necessari per realizzare le sue opere? Nel suo libro “Santi d’Italia” (Rizzoli/Bur, 2013), Alfredo Cattabiani, studioso di storia delle religioni, simbolismo e tradizioni popolari, spiega il “miracolo”. “Verso la metà dell’XI secolo – racconta - Ermengarda, vedova di Rodolfo III, re di Borgogna, e proprietaria del monastero di San Pietro del Montjou, situato ai piedi del monte, sul versante a nord, affidò all’arcidiacono di Aosta, Bernardo, il compito di fondare in cima al valico un ospizio per proteggere i viaggiatori estenuati dalla fatica o in difficoltà dopo la lunga e impervia salita”.

Fondazione degli ospizi

È alla fine Bernardo di Ospizi ne fondò due (tuttora a porte aperte, ndr), affidati “alla comunità dei canonici regolari di Sant'Agostino”, aggiunge il dizionario “Santi e patroni”. Erano luoghi sicuri messi a disposizione in un ambiente insidioso, dove finalmente era possibile posare lo zaino e ristorare corpo e anima (nell’annessa chiesa).

Il ruolo dei cani sanbernardo

I rifugi erano stati costruiti nei punti di passaggio più battuti dai viaggiatori e più esposti al rischio di assalti da parte dei saraceni. Difatti, dopo vitto e alloggio, potersi difendere era l’altra esigenza che i religiosi risolsero allevando proprio l’amico fedele a quattro zampe, in seguito battezzato sanbernardo, addestrato anche per salvare persone in difficoltà tra le nevi. Lo chiarisce lo stesso Ente cinofilo: “Dalla metà del XVII secolo, i monaci tenevano grandi cani da montagna destinati alla guardia e alla difesa”.

I valichi alpini dedicati

Anche i percorsi alpini hanno preso il nome del santo. C’è il Colle del piccolo San Bernardo: varco a 2188 metri di altezza sulle Alpi Graie, lungo 51 chilometri, che si estende dall’Italia alla Francia, dalla città di Aosta al comune di La Thuile.

E poi il Colle del Gran San Bernardo: attraversamento a 2743 metri di altezza sulle Alpi Pennine; 81 chilometri di lunghezza grazie ai quali si connettono Italia e Svizzera. Distanza tra i due Colli: 96 chilometri.

Prodigi attribuiti al santo

Ancora, due curiosità. “In una raccolta – cita Cattabiani - si narrano ventinove prodigi che sarebbero stati compiuti dal santo, come ad esempio la guarigione di una donna sterile, la restituzione della vista a un bimbo cieco, la liberazione dal flagello delle cavallette, ma anche la lotta continua contro il Maligno con la guarigione di molti ossessi”.

Ruolo ecclesiastico di Bernardo

E in ultimo: “Bernardo, come la maggior parte degli arcidiaconi – conclude l’esperto - non era prete, perché si era dell’opinione che il presbiteriato non aumentasse la dignità dell’ufficio”.

I gioielli delle dive della lirica in mostra a Vicenza

agi — Wed, 10 Jun 2026 02:17:00 GMT

AGI - I gioielli indossati dalle dive della lirica come Callas, Tebaldi e Pampanini. I diademi, le corone o le guarnizioni per costumi di scena, assieme a tessuti preziosi e documenti originali del secolo scorso. L'arte orafa e sartoriale dialoga con quella del bel canto nella mostra aperta al Museo del Gioiello di Vicenza fino al 30 settembre dal titolo "Dive e Gioielli in Scena. Corbella per Renata Tebaldi, Maria Callas e le interpreti della lirica".

Rosetta Pampanini, Margherita Carosio, Margherita Cipolato Nicolai, Maria Caniglia, Giulietta Simionato, Renata Tebaldi, la "voce d'angelo", e Maria Callas, la "Divina" sono le protagoniste. Ma protagonisti sono anche metalli dorati, filigrane, paste vitree, strass e altri materiali di fattura fantasiosa, che prendono forma sull'ispirazione dell'alta gioielleria contemporanea e su quella del passato, studiata e rivisitata.

I pezzi più curiosi in mostra

Tra i pezzi più curiosi compare una collana policroma in stile egizio appartenuta a Maria Callas, un prezioso diadema per la Fedora di Umberto Giordano, il curioso copricapo per Leila dei Pescatori di Perle, un reggiseno gioiello forse ispirato al fascino esotico di Mata Hari, spilloni per capelli realizzati per Madama Butterfy di Giacomo Puccini. Tra le chicche anche due importanti documenti prestati dall'Archivio Storico "Tullio Serafin": una partitura originale della Turandot e una lettera autografa della Divina del 1967 indirizzata proprio al Maestro Serafin, in cui si augura di poterlo rivedere a Roma.

Il valore del gioiello di scena

"Il gioiello di scena non è un semplice ornamento, ma un elemento narrativo capace di vivere insieme all'artista, amplificarne la presenza scenica e contribuire in modo determinante alla costruzione dell'identità del personaggio - spiega la curatrice Paola Venturelli - La mostra è concepita come un piccolo compendio di creazioni eccellenti che, pur non preziose sotto il profilo materico, possiedono un altissimo valore espressivo e scenografico: gioielli che dialogano con la luce, con il movimento, con i costumi e accompagnano il visitatore nel mondo visionario del melodramma e del teatro d'opera, restituendone tutta la forza estetica e simbolica".

La storia della ditta Corbella

Dalla fondazione nel 1865 al 2013, quando chiuse i battenti, Corbella divenne presto fornitore ufficiale del Teatro alla Scala con la produzione di armi, gioielli e accessori di scena. L'alta qualità della manifattura portò l'azienda milanese a lavorare per i più importanti teatri del mondo, dalla Fenice di Venezia al Costanzi di Roma al Colón di Buenos Aires. I monili in molti casi vengono acquistati dalle cantanti che, nelle tournée di palco in palco, non vogliono rinunciare a indossarli.

I teatri e la tradizione scenica

Anche i costumi di scena sui palchi del San Carlo di Napoli, del Regio di Torino, del Costanzi di Roma, dell'Opera di Barcellona e dell'Opera di Londra sono stati impreziositi, per cinque generazioni, dai monili realizzati dal laboratorio creativo dando vita a sodalizi come quello con il costumista Caramba, dal 1921 direttore artistico del Teatro alla Scala da quell'anno ente autonomo con Arturo Toscanini direttore.

Il racconto di una tradizione artistica

"Esporre al Museo del Gioiello di Vicenza i gioielli di scena Corbella è per noi motivo di orgoglio. Già dal 1865 e in particolare ai tempi del mio trisnonno Achille, la Ditta Corbella - Prima Fabbrica Italiana di Gioielli e Armi per il Teatro, ha ideato e prodotto gioielli teatrali che raggiunsero il loro apice nel periodo d'oro tra gli anni Venti e Quaranta del secolo scorso, quando la sintonia con i costumi di Caramba divenne irripetibile. I pezzi esposti in questa temporanea trasmetteranno al pubblico tutto il fascino che rendeva le grandi artiste della lirica come Pampanini, Tebaldi e Callas desiderose di indossarli" ha spiegato Angelica Corbella, discendente della storica dinastia di gioiellieri. Un racconto di costume, storia e arte orafa riportato alla ribalta nella sala al piano terra del Museo del Gioiello di Vicenza.

L’addio all’Italia di Umberto II senza abdicare e senza andare in esilio

agi — Wed, 10 Jun 2026 00:26:00 GMT

AGI - Non aveva riconosciuto la vittoria referendaria della Repubblica, non aveva abdicato e non era neppure andato in esilio. Il pomeriggio del 13 giugno 1946 Umberto II partiva dall’aeroporto di Ciampino per Cascais in Portogallo, ma pensava fosse solo un allontanamento temporaneo. Il sorriso del sovrano immortalato da una iconica fotografia scattata mentre si affaccia dall’abitacolo del Savoia Marchetti pronto al decollo era l’opposto della sua situazione personale e dinastica e di quella dell’Italia che cercava nella forma repubblicana la leva per risollevarsi dal disastro del fascismo, della guerra perduta e delle lacerazioni della guerra civile.

Erano trascorsi dieci giorni dalla chiusura delle urne e appena tre dalla prima adunanza della suprema Corte di Cassazione con i risultati provvisori che davano la sconfitta della monarchia per due milioni di voti, in attesa di decidere su una miriade di ricorsi e contestazioni su schede bianche e nulle, e validare l’esito delle urne. Due giorni prima, l’11 giugno, in via Medina a Napoli, c’erano stati 9 morti e 120 feriti negli scontri tra sostenitori dei Savoia e dei partiti repubblicani, e tra poliziotti, carabinieri e soldati inviati a ripristinare l’ordine pubblico. Lo spettro di una nuova guerra civile era dietro l’angolo.

Il governo di De Gasperi assume in via provvisoria i pieni poteri

Il 10 giugno la Cassazione aveva fissato per il 18 una nuova adunata, per poter nel frattempo esaurire le procedure di convalida e quindi ufficializzare con i dati definitivi dei conteggi la vittoria della repubblica. C’era anche una questione giuridica da dirimere, che da formale risultava sostanziale. L’articolo 2 del decreto luogotenenziale del 16 marzo 1946 n. 98 che istituiva il referendum del 2-3 giugno, sanciva la vittoria dello schieramento che avrebbe ottenuto "la maggioranza degli elettori votanti", che è concetto assai diverso dalla maggioranza dei voti validamente espressi.

All’alba del 13 giugno il Consiglio dei ministri, dopo una notte di accese discussioni, si era attribuito il dovere di rettificare la proclamazione dei risultati provvisori del 10 giugno, ritenendo che quindi, in regime di transizione, i poteri passavano in via provvisoria al presidente Alcide De Gasperi. Tra gli stessi repubblicani era emersa qualche perplessità su quella forzatura che di fatto detronizzava il re senza il crisma dell’ufficialità giuridica.

I quattro scenari possibili dell’azione dei monarchici in attesa della Cassazione

A Umberto i monarchici prospettano quattro possibili scenari, dal più morbido della resistenza passiva col rifiuto di... riconoscerne l’operato del governo all’azione militare; quanto al suo ruolo, senza un atto di forza le possibilità prevedevano l’abdicazione in favore del figlio Vittorio Emanuele e l’esilio volontario, ma la prima opzione non andava a invalidare in nulla la scelta repubblicana del referendum. Quello che non sfuggiva alla cerchia dei fedelissimi dei Savoia era che già nella serata del 6 giugno il capo dell’Allied Control Commission, l’ammiraglio statunitense Ellery Stone, aveva detto a chiare lettere a De Gasperi e al ministro dell’Interno, il socialista Giuseppe Romita, di adottare tutte le misure necessarie a reprimere con severità ogni disordine o atto eversivo.

E se qualche dubbio permaneva al riguardo di un eventuale e improbabile appoggio armato straniero, il ministro della Real Casa Falcone Lucifero se l’era tolto quando proprio il 13 aveva interpellato il generale Maurice Stanley Lush: questi aveva escluso un intervento al fianco dell’esercito italiano per proteggere Umberto e la monarchia; aveva pure aggiunto che qualora i repubblicani avessero preso d’assalto il Quirinale o se il governo avesse compiuto ondate di arresti per motivi d’ordine pubblico, questo sarebbe stato considerato un problema interno italiano.

Il quotidiano socialista l’Avanti! il 28 maggio aveva avanzato l’ipotesi di un complotto militare monarchico, con l’appoggio dei soldati polacchi del II Corpo d’armata del generale Władysław Anders, ma alla prova dei fatti si trattava di un’iperbole giornalistica: un conto era proteggere l’incolumità dei Savoia (lo stesso Umberto in quelle frenetiche ore era precauzionalmente ospite nella casa di amici e la famiglia era stata fatta andare via dall’Italia il 5 giugno), un conto il colpo di stato armato.

Il "gesto rivoluzionario" e l’allontanamento per evitare la guerra civile

Alla fine sul tavolo, oltre le proteste contro il governo, rimane solo l’allontanamento per scongiurare la guerra civile. Il Quirinale invia una nota formale a De Gasperi nella quale riafferma di voler rispettare "la volontà degli elettori votanti", in attesa della pronuncia definitiva della Corte di Cassazione, e Umberto II, assai scosso per i morti di Napoli, rivolge un proclama agli italiani: "Improvvisamente, questa notte, in spregio alle leggi ed al potere indipendente e sovrano della magistratura, il governo ha compiuto un gesto rivoluzionario, assumendo, con atto unilaterale ed arbitrario, poteri che non gli spettano, e mi ha posto nell’alternativa di provocare spargimento di sangue o di subire la violenza. (…) Io credo mio dovere fare quanto sta ancora in me perché altro dolore ed altre lacrime siano risparmiate al popolo che già tanto ha sofferto. Confido che la magistratura potrà dire la sua libera parola; ma, non volendo opporre la forza al sopruso, né rendermi complice della illegalità che il governo ha commesso, io lascio il suolo del mio Paese, nella speranza di scongiurare agli italiani nuovi lutti e nuovi dolori".

Sconfinare: tornano le notti di Letterature Festival Internazionale di Roma

agi — Tue, 09 Jun 2026 12:23:23 GMT

AGI - Il 19, 20 e 21 giugno lo Stadio Palatino tornerà a illuminarsi per la venticinquesima edizione di ‘Letterature Festival Internazionale di Roma’. La storica manifestazione culturale dell’estate capitolina - promossa dall’Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria di Roma Capitale, curata dal Dipartimento Attività Culturali, con il coordinamento organizzativo di Zètema Progetto Cultura, in collaborazione con Parco Archeologico del Colosseo - si svilupperà quest’anno in tre serate, che avranno, come nel 2025, un’appendice extra Festival il 18 luglio all’Idroscalo di Ostia, ospitata dal Puntasacra Film Fest.

Il titolo scelto per l’edizione 2026 di Letterature, per la prima volta curata da Silvia Barbagallo e Anna Voltaggio, è Sconfinare. Un verbo-identità da intendersi come attraversamento dei limiti imposti, superamento dei silenzi e trasformazione dell’esperienza personale in collettiva, che di volta in volta sarà declinato in un tema: ‘Chi scrive il mondo. Donne e dinamiche di potere’ la prima sera; ‘Controvento. Storie di resistenza’ la seconda; ‘Le mappe invisibili. Il potere delle parole’ la terza

Tutti gli ospiti attesi sul palco del Palatino

A Letterature sono attese voci di primo piano della scena letteraria internazionale e italiana.

Per interpretare i temi delle serate saliranno sul palco del Palatino Ahmet Altan, Gaetano Bruno, Emmanuel Carrère, Concita De Gregorio, Kiran Desai, Fumettibrutti, Maria Chiara Giannetta, Yaryna Grusha, Yuri Herrera, Rachel Kushner, Neri Marcorè, Vera Politkovskaja, Veronica Raimo, Pietro Sermonti, Neige Sinno, Widad Tamimi, Patrizia Valduga, Manuel Vilas, Samar Yazbek, Zerocalcare.

Il nuovo format e l'apertura con Alessandro Baricco

In cerca di una costante relazione con la contemporaneità, la manifestazione aggiunge quest’anno alla tradizionale lettura dei testi inediti alcune interviste di approfondimento condotte da giornalisti e intellettuali. Agli autori letterari si affiancheranno inoltre interpreti di altri linguaggi artistici: le serate saranno arricchite da immagini, video e dalle esibizioni musicali dal vivo di Chiara Civello, Gabriele Coen e Ziad Trabelsi, ed Erica Mou.

Altra novità, la conduzione dei tre appuntamenti affidata a Marino Sinibaldi, Eva Giovannini e Pegah Moshir Pour, che accompagneranno il pubblico lungo il filo narrativo che lega temi e ospiti.

Il 17 giugno alle 20.47, infine, in coincidenza con il tramonto, sarà La Tempesta Silenziosa – format di lettura collettiva ideato da Alessandro Baricco che sta ottenendo moltissime adesioni in altri luoghi della città - a fare da apripista ufficiale al Festival.

Informazioni utili sul programma

Tutti gli appuntamenti sono a ingresso gratuito fino ad esaurimento posti, con inizio alle ore 21.00 e accesso allo Stadio Palatino dalle 20.30. Informazioni e dettagli sul programma sono disponibili sul sito ufficiale di Culture Roma.

Completato il restauro del “Torso di Livorno”: la scultura medicea rientra al Museo Archeo...

agi — Tue, 09 Jun 2026 10:39:17 GMT

AGI - Ha fatto ritorno al Museo Archeologico Nazionale di Firenze il "Torso di Livorno", la straordinaria scultura in bronzo appartenente ai Grandi Bronzi delle Collezioni medicee. La scultura torna nelle sale del Museo dopo un delicato intervento di restauro in cui sono state impiegate le più avanzate tecniche di diagnostica non invasiva e microinvasiva, grazie al sostegno dei Friends of Florence e alla professionalità di diversi specialisti e studiosi italiani e internazionali, nell'ambito di un progetto di conservazione e ricerca curato dal personale del Museo, con il supporto del Ministero della Cultura.

"Quasi due anni di intervento - ha spiegato Daniele Federico Maras, direttore del Museo Archeologico Nazionale di Firenze (MAF) - che ha permesso di utilizzare delle tecniche avanzatissime di diagnostica, come l'attivazione neutronica presso il laboratorio di Grenoble che non era mai stata usata per un oggetto di grandi dimensioni".

A curare il restauro dell'opera Nicola Salvioli che ha coordinato il lavoro di diagnostica e ricerca e progettato il nuovo supporto espositivo della scultura. Un intervento che "ha saputo coniugare conservazione, ricerca e apprendimento scientifico" - spiega Simonetta Brandolini d'Adda, Presidente di Friends of Florence.

Il mistero delle origini e i segni della permanenza in mare

Il Torso faceva parte delle Collezioni medicee sin dai tempi di Cosimo I (1537-1574), mentre nel mistero è ancora avvolta la sua origine. Ci si interroga se sia un original greco o una copia romana e se sia stato davvero rinvenuto al largo di Livorno.

Quel che è certo, come è emerso anche dalle analisi del restauro, è che l'opera ha avuto una lunga permanenza subacquea. Sono state riportate alla luce le variazioni di colore della superficie metallica, il restauro ha inoltre consentito di mappare accuratamente tasselli e residui di conchiglie e concrezioni marine presenti all'interno della scultura.

I prossimi appuntamenti: da Firenze a Palazzo Strozzi

Dopo l'estate trascorsa al Museo Archeologico, dal 25 settembre il "Torso di Livorno" sarà parte della grande mostra di Palazzo Strozzi "Broken. Il potere del frammento", in programma fino al 24 gennaio 2027. Una grande esposizione che indagherà il tema del frammento dall'archeologia all'arte contemporanea.

Il re della finanza JP Getty I, collezionista di soldi e di arte

agi — Sun, 07 Jun 2026 00:05:33 GMT

AGI - Aveva scelto l’Inghilterra come seconda patria, e dal 1959 abitava nel Surrey in una splendida tenuta del XVI secolo di 72 stanze acquistata dal duca di Sutherland, come un autentico monarca rinascimentale. A Sutton Palace riceveva in alcova anche le sue numerose favorite a dispetto dell’età ormai veneranda, grazie all’aiutino della chimica, e continuava a gestire i suoi affari nel mondo lavorando fino a 18 ore al giorno. Qui Jean Paul Getty era stato fulminato da un infarto il 6 giugno 1976, a 83 anni. Pur americano di Minneapolis, a suo modo era stato davvero un re: anzi, il re del petrolio e degli affari, ma anche dell’arte. Nel 1966 era salito sul trono di uomo più ricco del mondo, entrando nel Guinness dei primati.

Uomo colto, parlava sette lingue oltre a conoscere greco e latino

Era venuto alla luce il 15 dicembre 1892 in Minnesota, da George Flanklyn Getty, affermato avvocato arricchitosi agli inizi del secolo con fortunati investimenti nel settore petrolifero allora agli albori in Oklahoma, e Sarah Catherine McPherson. Ottimo studente di vivace intelligenza e propensione alla cultura, poliglotta (parlava sette lingue, tra cui italiano, russo e arabo, oltre a greco e latino), non completa però gli studi all’Università di Berkeley per proseguirli a Oxford dove stringe amicizia col principe di Galles, futuro Edoardo VIII e dove si laurea in economia nel 1913.

Il padre, invece di metterlo a gestire gli affari di famiglia, l’anno seguente gli consegna 10.000 dollari (circa 330.000 odierni) da investire nei terreni in Oklahoma da trivellare in cerca di petrolio, e lui trova subito quello giusto che lo rende milionario. Il fiuto straordinario per gli affari lo fa guadagnare pure con la crisi del 1929 ma nel 1930 non lo mette al riparo dalla falcidia testamentaria di George Getty che, per punirlo della sua disinvolta e turbinosa vita sentimentale che scandalizzava i genitori perbenisti e morigerati, alla morte gli lascia appena il 5% della sua fortuna. In quel momento il suo palmarès di donnaiolo impenitente riporta una causa per paternità, tre mogli e due figli, una bigamia; e seguiranno altre due mogli e tre figli, cause di divorzio, ricchi assegni e pingui parcelle legali.

Infallibile negli affari e nella finanza, indomito in quelli di cuore

Se cercava la felicità nella vita coniugale, in questo non ebbe successo nonostante i tanti matrimoni, e la fine dei rapporti li avvertiva come fallimenti che negli affari, invece, non sapeva cosa fossero, perché andava sempre a bersaglio moltiplicando il suo patrimonio. Nel secondo dopoguerra sbaraglia in Arabia la concorrenza delle altre compagnie petrolifere sulle concessioni e nel 1953 trova l’ennesima miniera di oro nero.

Il fatto di padroneggiare l’arabo gli assicurava una corsia preferenziale nelle relazioni con i potentati locali. Il nome Getty è intanto all’apice di circa 200 aziende di alto livello e alto fatturato e la Getty Oil Company un colosso con cui occorre sempre fare i conti. Lui, potendoselo permettere, appena può investe in opere d’arte, per soddisfare i suoi stimoli culturali che almeno pari a quelli imprenditoriali. Aveva cominciato alla fine degli Anni ’30 e non si sarebbe più fermato, partendo dai mobili d’epoca e arrivando ai capolavori di tutti i tempi: Tiziano, Tintoretto, Rubens, Rembrandt, Monet, collezioni barocche, rinascimentali, neoclassiche, impressionistiche.

La passione per i capolavori e la fama non usurpata di essere avaro

Collezionista tanto compulsivo quanto competente di centinaia e centinaia di opere di assoluto pregio, comprese statue dell’antichità greco-romana, dà alle stampe anche alcuni libri in materia. Frugale nelle sue esigenze quotidiane, riversa il suo modo di operare pure nelle trattative d’acquisto dei quadri e degli oggetti d’arte, tirando e lesinando sul prezzo e spaccando il centesimo. Anche questo contribuisce a una ricca aneddotica sulla sua avarizia, assieme alla nomea di essere arido nei sentimenti.

E lui non fa nulla per smentirlo: contratta su tutto, risparmia su tutto, ricicla fogli e buste di carta, si lava da solo i vestiti perché, si racconta, non voleva pagare chi lo facesse. Aveva acquistato la tenuta di Sutton Palace strappando nelle trattative un prezzo vantaggioso rispetto al reale valore, sostenendo che vivere lì costava meno che risiedere al Ritz di Londra. Vi aveva fatto installare un telefono pubblico a gettoni riservato a chi andava a trovarlo dopo aver notato l’impennata delle bollette.

Nella febbre dell’arte mette da parte talmente tanti pezzi da costruire attorno a essi una gigantesca villa-museo che poi diventerà dopo la sua morte il Getty Museum di Los Angeles, dove peraltro venivano custodite alcune opere di provenienza non cristallina, reperite sui mercati internazionali e dai traffici clandestini, infine restituite come il gruppo di terracotte “Orfeo e le sirene” del IV sec. a.C. tornato in Italia nel 2022.

Il rapimento a Roma del nipote sedicenne e il riscatto con gli interessi

Il 10 luglio 1973 a Roma criminali della ‘ndrangheta calabrese rapiscono il nipote del magnate, John Paul Getty III, allora sedicenne, chiedendo un riscatto di 17 milioni di dollari per liberarlo. Jean Paul Getty I si rifiuta subito di pagare. Si racconterà che avesse motivato la linea intransigente col fatto di avere altri 13 nipoti, e se avesse tirato fuori quei milioni avrebbe incentivato altri malviventi a fare ulteriori sequestri di persona; e pure che la sua formazione metodista gli impediva di assecondare l’estorsione e di foraggiare così il crimine.

Ma con l’emergente ‘ndrangheta non si potevano fare affari con i suoi metodi e lo si capisce quando a novembre fa recapitare nella redazione del Messaggero un plico postale contenente una ciocca di capelli e un pezzo di orecchio del rapito avvolto in carta oleata, minacciando di rimandare l’adolescente a casa a pezzi se non fosse stato pagato il riscatto di 3 milioni.

Getty accetta di pagarne 2,2 e prestando 800.000 dollari al figlio Paul Jr con tasso di interesse del 4%: la cifra scorporata costituisce il massimo deducibile dalle tasse, tanto per non smentirsi. Il 15 dicembre Paul Getty III viene liberato nei pressi di un distributore di benzina a Lauria, in Basilicata. Parte della banda sarà arrestata e processata, ma le condanne saranno solo due e la maggior parte dei soldi del riscatto non sarà mai ritrovata.

Il Museo a Los Angeles e la disposizione di inaccessibilità della sua tomba al pubblico

Il Getty Museum di Los Angeles è ancora oggi considerato come uno dei più autorevoli musei del mondo, che svolge anche attività di centro internazionale di ricerca e studi su cultura e arte. La fece progettare e costruire come Villa Getty e se ne occuperà personalmente fino all’ultimo giorno di vita. Era stata completata a Malibu nel 1974 con la ricostruzione della Villa dei Papiri di Ercolano e l’apertura al pubblico. Dopo il 1997 – data di nascita del Getty Center di Los Angeles sulla collina di Santa Monica che contiene in 23 sale le oltre 44.000 opere della mostra permanente del Getty Museum – nella villa rimarranno solo i reperti dell’antichità classica greca, etrusca e romana. Nelle sue disposizioni testamentarie Jean Paul Getty I, che le cambiava sempre destinando anche cifre ridicole a chi era momentaneamente nelle sue grazie, soprattutto se donne, aveva lasciato scritto di voler essere sepolto nella villa di Malibu, ma precisando che la sua tomba non dovesse essere accessibile al pubblico del museo.

'Siamo tutti un po’ zanzarosi', dietro il rumore e il trash lo specchio dell'Italia

agi — Fri, 05 Jun 2026 16:41:33 GMT

AGI - Nel panorama editoriale italiano dedicato ai media e alla cultura contemporanea, 'Siamo tutti un po’ zanzarosi' (Edizione La Bussola) di Roberto Francesco Giuliano e Maura Ianni si propone come un esperimento originale: leggere la società italiana attraverso uno dei programmi radiofonici più controversi degli ultimi anni, 'La Zanzara'.

Il libro, pubblicato nel 2026 con prefazione di Daniele Capezzone, mescola analisi sociologica, riflessione psicoanalitica e una piccola indagine tra ascoltatori per tentare di rispondere a una domanda apparentemente semplice: perché una trasmissione così provocatoria continua ad attirare un pubblico vasto e trasversale?

Una radio come laboratorio sociale

Secondo gli autori, la trasmissione condotta da Giuseppe Cruciani e David Parenzo non è soltanto intrattenimento. È piuttosto una lente attraverso cui osservare le contraddizioni dell’Italia contemporanea. Il programma viene interpretato come uno spazio di libertà linguistica e simbolica in cui vengono sospese molte delle convenzioni del discorso pubblico: il politicamente corretto, la prudenza lessicale, la mediazione tipica dei talk show. Il risultato è un linguaggio spesso brutale, volutamente provocatorio, che però — secondo gli autori — funziona come una sorta di “specchio deformante” della società. La radio diventa così un laboratorio dove emergono rabbie, frustrazioni, pulsioni e opinioni che normalmente restano ai margini del dibattito pubblico.

L’analisi psicoanalitica: tra provocazione e catarsi

La parte più originale del volume è forse quella psicoanalitica. La trasmissione viene interpretata come una sorta di “abreazione collettiva”: uno spazio in cui gli ascoltatori possono sfogare pulsioni e aggressività attraverso il linguaggio, sostituendo il conflitto reale con quello verbale. Le parolacce, il turpiloquio e l’eccesso diventano così strumenti simbolici: non solo trasgressione, ma anche meccanismo di liberazione. In questa prospettiva, la volgarità non è soltanto spettacolo ma anche rituale mediatico, capace di svelare ciò che la società tende a nascondere sotto il velo del perbenismo.

La lettura sociologica: uno specchio dell’Italia

Sul piano sociologico, il libro propone una lettura altrettanto provocatoria. La trasmissione viene descritta come una trasposizione radiofonica del “bar dello sport” nazionale, dove opinioni opposte si confrontano senza filtri. Il dualismo tra i due conduttori — uno più provocatorio, l’altro più moralista — diventa un meccanismo narrativo che riproduce la polarizzazione del dibattito pubblico italiano. Non si tratta tanto di informazione quanto di rappresentazione: un teatro mediatico dove l’Italia discute, litiga e si riconosce.

Le voci del pubblico

Una sezione del libro riporta i risultati di un questionario tra ascoltatori. Le opinioni raccolte sono profondamente divise: alcuni considerano il programma volgare e diseducativo; altri lo vedono come uno spazio di libertà e ironia; molti lo ascoltano proprio per la sua capacità di provocare. La polarizzazione delle risposte conferma la tesi degli autori: 'La Zanzara' non lascia indifferenti.

Un saggio ibrido e provocatorio

'Siamo tutti un po’ zanzarosi' è un libro ibrido, a metà tra saggio accademico e riflessione culturale. Non pretende rigore scientifico assoluto — gli stessi autori lo dichiarano — ma offre uno spunto interessante per ragionare su media, linguaggio e società. La tesi finale è provocatoria quanto la trasmissione analizzata: dietro il rumore, il trash e l’eccesso si nasconderebbe uno specchio fedele del nostro tempo. Se la trasmissione punge come una zanzara, suggeriscono gli autori, è perché in fondo “siamo tutti un po’ zanzarosi”.

Life Design Festival 2026: Potenza diventa capitale del design della comunicazione

agi — Fri, 05 Jun 2026 10:10:15 GMT

AGI - Al via a Potenza (5-6 giugno 2026) il LIFE Design Festival per la sua seconda edizione, confermando il ruolo della Basilicata come nuovo polo di riferimento nel panorama del design della comunicazione. Il Terminal FAL Gallitello si trasforma ancora una volta in un hub creativo, un luogo di passaggio che diventa spazio di visione, confronto e costruzione culturale.

Per due giorni, talk, workshop, mostre e attività immersive offriranno al pubblico l'occasione di esplorare il presente e il futuro della progettazione.

Il claim scelto per l'edizione 2026 "Ogni gesto lascia una traccia" sintetizza la missione del festival: trasformare la creatività in un atto consapevole, capace di incidere sul territorio e di generare una nuova cultura progettuale lucana.

LIFE nasce dall'idea che la vita sia una superficie da disegnare: ogni segno è l'inizio di qualcosa di nuovo. Nel 2025 sono proliferate le connessioni; quest'anno, il festival ne traccia la rotta, consolidando un ecosistema creativo che unisce radici locali e visioni globali.

Numeri e network: il salto di qualità dell'edizione 2026

L'edizione 2026 segna un salto di qualità significativo: sono attesi circa 200 partecipanti e oltre 30 ospiti di rilievo nazionale e internazionale, provenienti dalle principali verticalità del design contemporaneo. Il festival si propone come dispositivo di attivazione territoriale, capace di coinvolgere professionisti, studenti, imprese, sponsor e partner, generando un ampio networking intergenerazionale.

Il valore dell'evento è sostenuto da un parterre di ospiti che rappresentano le molteplici anime del design: Design e Direzione Creativa: Ciarli & Riccardo (Adoratorio Studio), Domenico Loperfido (DUDE Design), jekyll & hyde; Branding e Comunicazione: EGO55, ET Studio, Samuela Vaccari (Cromia Design); Packaging e Industria: Andrea Mastroluca (Auge Design); Digital e Interaction: dverso, Italo Sannino; Design Autoriale e Product Design: Brutto Studio, Mauro Bubbico; Tipografia e Cultura del Segno: Zetafonts (Cosimo Lorenzo Pancini & Dario Manzo); Motion e Animazione: Riccardo Albertini (Rocketpanda); Ricerca e Nuovi Modelli Progettuali: Be.Family; Formazione e Cultura Editoriale: Prof.ssa Enrica D'Aguanno.

Uno strumento di sviluppo culturale oltre la periferia

LIFE non è solo un festival: è uno strumento di sviluppo culturale e professionale che porta visioni contemporanee in un territorio spesso percepito come periferico, offrendo opportunità uniche a studenti e giovani creativi. Con una reach social stimata fino a 500.000 visualizzazioni, l'evento si conferma un appuntamento imprescindibile per chi vuole progettare il futuro partendo dalla propria identità.

L'artista dei colori Sonia Grineva in mostra a Olbia

agi — Fri, 05 Jun 2026 08:50:11 GMT

AGI - Una mostra a Olbia per Sonia Grineva, artista di fama internazionale nata a Mosca ma trasferitasi giovanissima a New York dove si è imposta per il suo uso armonico del colore, capace di creare atmosfere sospese e vibranti. La Sardegna, dove vive parte dell'anno, ha influenzato profondamente la sua produzione recente, introducendo nuove suggestioni legate alla luce mediterranea e ai paesaggi naturali.
La sua prima mostra personale in terra sarda sarà ospitata nello Spazio Frau di Olbia da sabato 6 giugno e spazierà tra pittura, ceramica e ricerca cromatica, in un dialogo tra luce, natura e linguaggio contemporaneo

Chi è Sonia Grineva?

Nata a Mosca, figlia di uno scienziato e di una storica, Sonia Grineva è cresciuta in un ambiente intriso di cultura, circondata da un amore profondo per la pittura e la poesia, passioni che hanno plasmato il suo linguaggio espressivo fin dall'infanzia. Dopo aver completato la sua formazione artistica presso l'Accademia delle Belle Arti di Mosca, si è trasferita giovanissima a New York, perfezionando il suo talento tecnico presso la prestigiosa Accademia Nazionale di Disegno.

Il lavoro di Grineva è universalmente riconosciuto per la sua straordinaria sensibilità cromatica. Particolarmente iconico è il suo uso del verde intenso, una tonalità misteriosa che l'artista predilige e che diventa protagonista di molte sue tele, evocando profondità emotive e connessioni ancestrali con la natura.

La mostra allo Spazio Frau presenta una selezione esclusiva di almeno 20 opere, tra tele di grande formato e ceramiche finemente lavorate e dipinte a mano dalla stessa Grineva, testimoniando la sua versatilità nel padroneggiare materiali e superfici differenti.
"Siamo entusiasti di ospitare il debutto di Sonia Grineva in Sardegna", hanno dichiarato i fondatori della galleria, Daniele Frau, erede della storica famiglia Frau, e la gallerista e curatrice Daniela Cittadini, "la sua capacità di fondere il rigore accademico con un lirismo visivo unico trova in questo spazio il palcoscenico ideale per dialogare con la luce e i colori del nostro territorio.

Il vernissage di benvenuto, in programma 6 giugno alle 18,30 (Spazio Frau, Via Copenaghen 78, Olbia), è l'occasione per immergersi nell'universo poetico di Sonia Grineva e conoscere da vicino l'artista.

Sette poetesse e un saggista performer

agi — Thu, 04 Jun 2026 16:42:04 GMT

AGI - Cosa c’entra un rappresentante ‘brutto e cattivo’ della Spoken word con un libro che, fin dal titolo, sembra incarnare la summa del politicamente corretto? Parliamo di ‘Arabo è donna. Sette poetesse raccontate col metodo della storia orale’, appena pubblicato da Homo Scrivens. L’autore, Davide Borowski, è un poeta performer che si sta velocemente distinguendo nei poetry slam nazionali (competizioni di poesia performativa in cui gli slammer recitano dal vivo i propri testi e vengono giudicati dal pubblico in sala). Basta ascoltare qualche sua opera sul podcast ‘Banda poetica’ per rendersi conto che si pone tutt’altro che da bravo ragazzo: ambientazione urbana, temi da strada, parole non di rado forti, nessuna concessione, in apparenza, al romanticismo. Forse la risposta alla domanda iniziale va ricercata nel fatto che, dopo aver girato il mondo lavorando nella finanza e nella cooperazione, Borowski si è scoperto poeta da soli tre anni, durante una lunga degenza in un ospedale di Londra seguita a un intervento al cuore. Da allora è iniziato un nuovo percorso, culminato nel 2025 con l’inserimento tra i finalisti della sezione poesia del Premio De André.

Il libro

Trecento pagine dense, e non di rado sorprendentemente liriche, che attraversano l'universo culturale del mondo arabo contemporaneo assumendo una prospettiva puramente femminile. Il saggio si basa sulla convinzione che solo le voci delle donne esterne all'Occidente possano restituire davvero la complessità e lo spirito del nostro tempo.

Le sette poetesse

Il nucleo della ricerca è costituito dal viaggio - anzi, dai viaggi - compiuti dall’autore per incontrare personalmente le autrici e intessere con loro un dialogo diretto. Si tratta di sette poetesse provenienti da diverse aree del Medio Oriente, soprattutto mediterraneo, ma in qualche caso - come quello dell’apolide kuwaitiana Mona Kareem, rintracciata negli Stati Uniti - costrette all’esilio in altri luoghi a causa del loro attivismo. Nello specifico, Borowski traccia i ritratti umani e artistici di Amirah Al Wassif e Nadra Mabrouk (Egitto), Ahlam Bsharat (Palestina), Dalila Hiaoui e Mouna Ouafik (Marocco), Mona Kareem (Kuwait) e Imèn Moussa (Tunisia).

La storia orale e la terzietà

La scelta programmatica è quella di non strutturare il testo come un'antologia accademica da critico, privilegiando invece il metodo della storia orale. Ampio spazio viene dato a frammenti biografici, racconti e confessioni sul quotidiano che restituiscano intatto il retroterra sociopolitico in cui sono nati i versi di ogni autrice. Evitando di giudicare, alterare o filtrare, Borowski si pone come un ‘terzo neutrale’ che rifugge sia l'atteggiamento dell’accademico che incasella la poesia in schemi eurocentrici, sia il ruolo-trappola di salvatore occidentale che tenta di parlare al posto delle donne mediorientali. Un passo indietro che serve a lasciare spazio alle sole voci delle autrici e alla personale opinione che su di esse può formarsi il lettore.

49 poesie tradotte

A corollario del racconto degli incontri e delle interviste, il saggio contiene 49 poesie (esattamente sette per ogni autrice), selezionate e tradotte dall'autore per mostrare come la parola poetica possa trasformarsi in uno strumento di espressione, resistenza e ridefinizione dell'identità femminile nel Medio Oriente e nel Nord Africa.

In libreria ‘La stanza di Scilla’ (Curcio Editore), terzo romanzo di Vincenzo Galluzzo

agi — Wed, 03 Jun 2026 15:20:08 GMT

AGI - Arriva nelle librerie ‘La stanza di Scilla’ (Curcio Editore) dell’autore televisivo, artista e scrittore Vincenzo Galluzzo, un romanzo d’amore ambientato nell’arco di quaranta anni, tra il 1957 e il 1997, tra la Catania, Milano e Taormina. La vicenda ha inizio nel capoluogo etneo poco prima dell’entrata in vigore della Legge Merlin, dove esercita ‘la professione’ una donna di sconvolgente bellezza dal nome d’arte di Scilla Cariddi, capace di attrarre nella sua alcova, - la stanza di Scilla, appunto - clienti di altissimo rango e addirittura di far tornare dall’America chi vi è emigrato pur di passare anche una sola notte di passione con lei.

Maddalena protagonista del romanzo

Maddalena Torrisi, questo il suo vero nome, vive all’ultimo piano del palazzo che ospita il bordello con due sguattere, una cameriera di fiducia e un gay, ma dietro le venali apparenze nasconde un cuore. Che batte per un rappresentante della Catania ‘bene’; il direttore di un istituto scolastico privato che non troverà mai il coraggio di lasciare moglie e figli per una prostituta. Proprio quando niente sembra poter cambiare, Scilla scopre d’essere rimasta incinta dell’uomo che ama e decide di abbandonare la Sicilia senza dirgli nulla.

Salto temporale di venti anni

Ora l’ex prostituta vive nel lusso a Milano, con una figlia di nome Beatrice del tutto ignara del passato della madre e convinta che la ricchezza in cui è cresciuta derivi da un’eredità. Sarà l’improvvisa morte di Scilla a riportarla in Sicilia, facendole scoprire, oltre alla verità sulle sue origini che sempre le era stata taciuta, anche il grande amore. Proprio nella stanza di Scilla. Con questo romanzo Vincenzo Galluzzo torna alla narrativa dopo ‘Malauna’ e ‘La notte di mezzagosto’, entrambi pubblicati da A & B Editrice.

L'ultima estate di Pompei, quando il Vesuvio seppellì una città (e un mondo) in crisi

agi — Wed, 03 Jun 2026 11:45:39 GMT

AGI – Pompei è da sempre un luogo in cui la narrazione rischia di prevalere sulla storia, schiacciando l'esperienza umana sotto il peso della tragedia finale. Ogni libro su Pompei deve fare i conti con questo trabocchetto: la tentazione di trasformare una città viva in un conto alla rovescia verso la distruzione. Una ‘trappola’ in cui non cade Gabriel Zuchtriegel, che dal 2021 dirige il Parco Archeologico di Pompei, che pubblica per Feltrinelli ‘Quando gli dèi lasciarono il mondo. L'ultima estate di Pompei’ (collana Scintille, pagg. 251 – Prezzo: 24 euro).

Zuchtriegel, nato nel 1981 a Weingarten, nella Germania del Sud, ha studiato archeologia classica, preistoria e filologia greca a Berlino e a Roma, ha conseguito il dottorato all'Università di Bonn nel 2010. Dal 2015 al 2021 ha diretto il Parco Archeologico di Paestum. Non è uno storico che scrive di Pompei dall'esterno: è l'uomo che ogni mattina entra negli scavi, che supervisiona le campagne di ricerca, che conosce ogni affresco e ogni graffito come si conosce il cortile di casa. Questo cambia il libro, e si sente. L'autore propone una lettura densa e fortemente interpretativa, in cui l'eruzione del 79 d.C. non rappresenta tanto un evento isolato quanto il punto terminale di una crisi più profonda e già in atto.

La crisi religiosa e culturale

Le statue, gli spazi sacri e i templi mostrano un paesaggio dove gli antichi culti greci stanno sparendo, lasciando spazio a nuove credenze più fragili. Le divinità, un tempo al centro della vita pubblica e religiosa, diventano quasi elementi decorativi nelle case. È questa la tesi centrale del libro: il Vesuvio non è la causa della fine: è la conclusione drammatica di un processo già in corso. Zuchtriegel usa Lucrezio come chiave di lettura: nel ‘De rerum natura’ gli dèi esistono, ma non governano il mondo — bisogna studiare la natura per comprenderlo. L'impero si espandeva, ma aveva bisogno di sempre più manodopera, di schiavi. In questo contesto di crisi spirituale latente, gli dèi appaiono sempre più irraggiungibili, il potere imperiale si insinua nei riti quotidiani, e una nuova strana setta — i cristiani — inizia a mettere radici.

Dioniso e Cristo a confronto

Il passaggio più audace e più controverso del libro è l'accostamento tra Dioniso e Cristo. Descrivendo le megalografie della Villa dei Misteri e della Casa del Tiaso, di recentissima scoperta, Zuchtriegel osserva che in entrambe sono rappresentati i misteri dionisiaci. Quando l'eruzione distrusse ogni forma di vita, le popolazioni romane dovettero pensare a un abbandono del mondo da parte degli dèi: fu solo Dioniso a resistere e a opporsi al Cristianesimo che si diffondeva. Come Cristo, Dioniso era figlio di un dio padre — Zeus — e di una donna. Entrambi incarnavano un potere superiore. Entrambi morivano e rinascevano.

Sesso, morale e interpretazioni

Zuchtriegel stesso sa bene che la sua tesi è ardita: “Immagino che questo libro non sarà accolto favorevolmente dai colleghi”, ha detto presentandolo a Castellammare di Stabia. C'è poi il capitolo sul sesso e sulla morale. Il sesso, negli affreschi e nei graffiti, ha una parte preponderante. I lupanari erano ambienti frequentati. Nel 1885 un archeologo tedesco pubblicò un'iscrizione trovata in via dell'Abbondanza: due sole parole, “Sodoma e Gomorra”, le città bibliche distrutte da Dio con zolfo e fuoco.

Letture moraliste e approccio empatico

Tertulliano nel II secolo scriveva che Pompei era stata distrutta perché non ospitava cristiani. Zuchtriegel non si sottrae a questi materiali: li usa per mostrare quanto la lettura moralista di Pompei sia antica quanto Pompei stessa. Uno degli elementi più interessanti del volume è l'approccio empatico all'archeologia. I reperti smettono di essere semplici oggetti per diventare frammenti di vite: graffiti, utensili e spazi domestici si trasformano in testimonianze di esperienze individuali. Zuchtriegel riesce così a costruire una narrazione vivida e immersiva, sostenuta da un ampio repertorio culturale che spazia dalle fonti classiche alla filosofia europea, conferendo al testo una forte capacità evocativa.

Pompei siamo noi

L'ultimo capitolo si intitola ‘Pompei siamo noi’. Zuchtriegel ha detto di aver scritto il libro senza l'intenzione di parlare del presente, ma di averlo riletto alla fine e di aver capito che in realtà è esattamente questo: la ricerca delle condizioni materiali, sociali, ambientali, artistiche e culturali sotto le quali gli esseri umani hanno provato a immaginare e a incontrare il divino. Plinio il Giovane nelle ‘Lettere’ racconta che durante l'eruzione “molti alzavano le mani implorando gli dèi, ma i più credevano che gli dèi avessero lasciato il mondo su cui incombeva una nuova eterna notte”. Un mondo che perde i propri dèi e non sa ancora con quali sostituirli.